チャン・イプギュは、デジタルイメージと物理的なオブジェ、仮想世界の文法と現実の事物を交差させながら制作する立体インスタレーション作家です。彼は日常の中で見つけた見慣れた素材や、デジタル環境の中で生成される記号、言語、現象を収集し、それらをアナログな方法で現実空間に再配置します。
장입규는 디지털 이미지와 물리적 오브제, 가상 세계의 문법과 현실의 사물을 교차시키며 작업하는 입체 설치 작가다. 그는 일상 속에서 발견되는 익숙한 재료와 디지털 환경에서 생성되는 기호, 언어, 현상들을 수집하고, 이를 아날로그적 방식으로 현실 공간에 다시 배치한다.
Q
Please briefly introduce yourself.
簡単に自己紹介をお願いします。
간단한 자기소개 부탁한다.
A
Hello. My name is Ipkyu Jang, and I mainly work with three-dimensional installation.
こんにちは。立体インスタレーションを中心に制作しているチャン·イプギュと申します。
안녕하세요. 저는 입체 설치 위주로 작업하는 장입규라고 합니다.
<cable> 잉크젯 프린트, 90X120(cm), 2019
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Q
What is the theme and concept of the exhibition “Digital Ganghae”?
「デジタル講解」展のテーマとコンセプトは何ですか。
“디지털 강해” 전시의 주제와 컨셉은 무엇인가?
A
In this transitional period, where many aspects of everyday life are being converted into digital forms, I observed and collected newly generated signs, grammars, and the social phenomena that emerge from them within the digital virtual world. I then brought those elements into reality and interpreted them through analog methods. You could see this exhibition as one that encourages us to think once again about the technologies and media we use.
日常の多くの部分がデジタルへと移行していく過渡期の中で、デジタル仮想世界の中で新たに生成される記号や文法、そしてそこから派生する社会的現象などを観察し、収集しました。その後、それらを現実へと引き寄せ、アナログな方法で展開することで、私たちが使用している技術やメディアについて、もう一度考えさせる展覧会だと見ていただければと思います。
일상의 많은 부분이 디지털로 전환되는 과도기에, 디지털 가상 세계에서 새롭게 생성되는 기호나 문법, 그리고 그로부터 파생되는 사회적 현상 등을 관찰하고 수집했습니다. 그런 후 그것을 현실로 끌어와 아날로그 방식으로 풀어내며, 우리가 사용하는 기술이나 매체에 대해 한 번 더 고민하게 만드는 전시라고 보시면 될 것 같습니다.
<aesthetics of editing> 다양한 오브제, 라인 테이프, 페인트, 나무 각재, PVC필름, 색지, 잉크젯 프린트, 액자, 가변설치, 2022
Q
I’m curious whether you are more interested in digital or analog, or whether you intend to deal with the two media in a balanced way.
デジタルとアナログのうち、どちらにより関心を持っているのか、あるいは二つのメディアをバランスよく扱おうとする意図があるのか気になります。
디지털과 아날로그 중 어느 쪽에 더 흥미를 느끼시는지, 혹은 두 매체를 균형 있게 다루고자 하는 의도가 있는지 궁금합니다.
A
Rather than feeling more interested in one side or the other, I am paying attention to an era in which many parts of everyday life are gradually becoming digitalized. With the development of media, digital technology has become part of our daily lives and habits. I came to think that this affects not only the world inside the frame, but also the way we perceive and respond to reality. Therefore, I am interested in observing and experimenting with how contemporary humans’ senses and perceptual systems for recognizing objects are being reorganized within the logic of the digital.
どちらか一方により関心があるというよりは、日常の多くの部分が次第にデジタル化していく時代に注目しています。メディアの発達とともに、デジタル技術が日常化し、習慣化されることで、それがフレームの中の世界だけでなく、私たちが現実を認識し、向き合う態度にも影響を与えていると考えるようになりました。そこで、同時代の人間がデジタルの論理の中で対象を認識する感覚や知覚体系がどのように再編されているのかを観察し、実験することに興味を持って制作を進めています。
어느 한쪽에 더 흥미를 느낀다기보다 일상의 많은 부분이 점점 디지털화되어 가는 시대에 주목하고 있습니다. 매체의 발달과 함께 디지털 기술의 일상화, 습관화로 인해 그것이 프레임 안의 세계뿐만 아니라 우리가 현실을 인식하고 대하는 태도에도 영향을 미치고 있다고 생각하게 되었습니다. 그래서 동시대 인간이 디지털의 논리 안에서 대상을 인식하는 감각과 지각체계가 어떻게 재편되고 있는지를 관찰하고 실험하는 데 흥미를 가지고 작업을 진행하고 있습니다.
<cut and paste> 다양한 오브제들을 자르고 공간에 배치, 라인 테이프, 가변설치, 2021
Q
The way you combine digital images with physical objects is distinctive. Could you explain your working process?
デジタルイメージと物理的なオブジェを組み合わせる方法が独特ですが、制作のプロセスについて説明していただけますか。
디지털 이미지와 물리적 오브제를 결합하는 방법이 독특한데, 작업 과정에 대해 설명해 주시겠어요?
A
First of all, I usually find the subjects or materials for my work in ordinary everyday life, and I am very interested in making them feel somehow unfamiliar, or in creating absurd or ironic situations. As I mentioned earlier, I have recently become interested in an era in which many parts of everyday life are becoming digitalized. I observe and collect unique signs, languages, grammars, and phenomena that emerge in online or digital spaces, and use them in my work. I then bring them out into reality and allow them to encounter or combine with actual objects, spaces, and so on. I cannot explain the process precisely, but I think about how the collected digital grammar can be applied to certain objects or spaces, and once that idea becomes somewhat organized, I begin the work.
まず私は、ありふれた日常の中から作品の素材や材料を見つけ、それらをどこか見慣れないものにしたり、突拍子もない、あるいはアイロニカルな状況を演出することに強い関心があります。先ほども述べたように、最近は日常の多くの部分がデジタル化していく時代に注目するようになり、オンラインやデジタル空間の中で生まれる独特な記号や言語、文法、現象などを観察·収集し、作品に活用しています。そして、それを現実へと引き出し、実際の事物や空間などと向き合わせたり、結合させる方法で制作を進めています。プロセスを正確に説明することはできませんが、収集したデジタルの文法が、ある事物や空間にどのように適用できるのかを考え、その考えがある程度整理されると制作を進める、という感じです。
우선 저는 평범한 일상 속에서 작업의 소재나 재료를 찾고 그것들을 어딘지 모르게 낯설게 하거나 엉뚱하거나 아이러니한 상황을 연출하는데 관심이 많습니다. 앞서 언급하였듯이 최근에는 일상의 많은 부분이 디지털화되어 가는 시대에 주목하게 되어 온라인 혹은 디지털 공간에서 생겨나는 독특한 기호나 언어, 문법, 현상 등을 관찰, 수집하여 작업에 활용하고 있습니다. 그리고 그것을 현실로 끄집어내어 실제 사물이나 공간 등과 마주치게 하거나 결합하는 방식으로 작업을 진행하고 있습니다. 과정을 정확히는 설명할 수 없으나 수집된 디지털 문법이 어떤 사물이나 공간에 어떻게 적용될 수 있을지를 고민하고, 그 생각이 어느 정도 정리가 되면 작업을 진행하는 것 같습니다.
<blockchain> 디지털 프린트, 카펫, 액자, 바퀴, 체인, 가변설치, 2023
Q
You said that “observation” plays a major role in your process. I’m curious about the specific ways in which you collect and record digital phenomena.
プロセスにおいて「観察」が大きな比重を占めているとのことですが、具体的にどのような方法でデジタル現象を収集し、記録しているのか気になります。
프로세스에서 ‘관찰’이 큰 비중을 차지한다고 했다. 구체적으로 어떤 방식으로 디지털 현상을 수집하고 기록하시는지 궁금합니다.
A
First, I collect unique languages, grammars, and other elements that I notice or discover while using and experiencing digital media in my daily life. I also gain them by observing the experiences, stories, and behaviors of people around me. In addition, I observe and collect how people use online platforms, YouTube, various social media channels, and so on.
まず、私が普段デジタルメディアを使用し、経験する中で感じたり発見したりする独特な言語や文法などを収集します。また、周囲の人々の経験や話、行動などを観察することで得ることもあります。そして、オンラインプラットフォームやYouTube、各種SNSなどで人々がどのようにそれらを使用しているのかを観察し、収集することもあります。
우선 제가 평소에 디지털 매체를 사용하고 경험하면서 느끼거나 발견되는 독특한 언어, 문법 등을 수집합니다. 또 주변 사람들의 경험이나 이야기, 행동 등을 관찰해 얻기도 합니다. 그리고 온라인 플랫폼이나 유튜브, 각종 SNS 등에서 사람들이 어떻게 사용하는지도 관찰하여 수집하기도 합니다.
<paint bucket> 수집한 다양한 오브제들과 바닥 및 벽에 채색, 가변설치, 2020
<modern tools> 브론즈, 거치대, 고리, 선반, 80X150X12cm, 2023
Q
What led you to explore the boundary between digital and analog?
デジタルとアナログの境界を探求するようになったきっかけは何ですか。
디지털과 아날로그의 경계를 탐구하게 된 계기가 무엇인가?
A
In the past, I mainly worked with media such as photography, video, video installation, and interactive works using computer programming. However, behind the momentary spectacle of art in which only enlarged or excessive technology stands out, I often felt a sense of emptiness, and at some point, that became something I wanted to overcome. So, in an era where digital technology cannot be rejected, I began to imagine something in a new form: work that deals with digital issues without using media, something unfamiliar but not awkward. From there, it has continued into my current practice.
以前は、写真や映像、映像インスタレーション、コンピュータープログラミングを用いたインタラクティブな作品など、主にメディアを活用して制作を進めてきました。しかし、肥大化した技術だけが際立つ芸術がもたらす一瞬のスペクタクルの後には、しばしば空虚さが残り、それはある瞬間から私にとって克服すべき対象として感じられるようになりました。そこで、デジタルを拒むことのできない時代に、メディアを使用しないままデジタルの問題を扱う、見慣れないけれど不自然ではない、新しい形式の何かを想像するようになり、そこから現在の制作へとつながっていきました。
이전에는 사진이나 영상, 영상 설치, 컴퓨터 프로그래밍을 이용한 인터렉티브 작업 등 미디어를 주로 활용하여 작업을 진행해 왔습니다. 그런데 비대해진 기술만이 돋보이는 예술이 주는 순간의 스펙터클 뒤에 종종 공허함이 따랐고, 그것은 어느 순간 저에게 극복의 대상으로 다가왔습니다. 그래서 디지털을 거부할 수 없는 시대에 미디어를 사용하지 않은 채 디지털 이슈를 다루는, 낯설지만 어색하지 않은, 새로운 형식의 무언가를 상상하게 되면서부터 현재의 작업으로까지 이어지게 되었습니다.
<timeline(clock)> 디지털프린트, MDF, 시계부품, 가변설치, 2021
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Q
When creating a work, what criteria do you use when selecting materials or objects?
作品を制作する際、素材やオブジェを選ぶ基準があるとすれば何ですか。
작품을 만들 때, 재료나 오브제를 선정하는 기준이 있다면 무엇인가요?
A
I usually try to use familiar materials or objects that are not too special and can be easily found in ordinary everyday life. When I use them to create situations that feel somehow unfamiliar, absurd, or ironic, I think the effect of the resulting work becomes more pronounced.
あまり特別ではなく、ありふれた日常の中で簡単に見つけられる、見慣れた素材やオブジェを主に使用しようとしています。それらを活用して、どこか見慣れない、突拍子もない、あるいはアイロニカルな状況を演出したとき、作品の効果がより際立つように感じます。
너무 특별하지 않은 평범한 일상 속에 쉽게 발견되는 눈에 익숙한 재료나 오브제를 주로 사용하려 합니다. 그것들을 활용하여 어딘지 모르게 낯설게 하거나 엉뚱하거나 아이러니한 상황을 연출하였을 때 작업 결과물의 효과가 더 도드라지는 것 같습니다.
<tangled timeline> 알루미늄 판에 도색, 스테인레스 스틸 파이프, 시계부품, 각 110X170X4cm, 112X170X4cm, 104X170X4cm, 2024
Q
I understand that you studied abroad for a long period in Düsseldorf, Germany. How did your experience there influence your working method?
ドイツのデュッセルドルフで長期間留学されていたと伺っています。その場所での経験は、制作方法にどのような影響を与えましたか。
독일 뒤셀도르프에서 오랜 기간 유학을 한 것으로 알고 있다. 그곳의 경험이 작업 방식에 어떤 영향을 미쳤나?
A
Rather than the environment of Germany itself having had a direct and major influence, I believe that living there for about ten years must have unconsciously influenced me in many ways, through its culture and way of life. I originally majored in sculpture in Korea, and during my time studying abroad, I wanted to learn about media and computer programming, so I studied in a class led by a professor in that field. Through that process, I worked on media-based projects for quite some time, and the various thoughts that emerged afterward seem to have continued and led to my current work.
ドイツという環境そのものが直接的に大きな影響を与えたというよりは、約10年間暮らす中で、文化や生活様式から無意識のうちに多くの影響を受けていたのだと思います。もともと韓国では彫刻を専攻しており、留学時代にはメディアやコンピュータープログラムを扱う分野を学びたいと思い、その分野の教授がいるクラスで学びました。その過程でしばらくメディア作品を制作していましたが、その後に浮かんできたいくつもの考えがつながり、現在の制作にまで至ったのだと思います。
독일이라는 환경 자체가 직접적으로 큰 영향을 주었다기보다, 10년 정도 거주하면서 문화나 생활 방식에서 무의식적으로 많은 영향을 받았을 거라 여겨집니다. 원래 한국에서 조각을 전공했고, 유학 시절에는 미디어나 컴퓨터 프로그램을 다루는 쪽을 배우고 싶어서 해당 분야 교수님이 있는 반에서 공부했습니다. 그 과정에서 미디어 작업을 한참 진행했었고, 그 이후 떠오르는 여러 생각들이 이어져 지금의 작업에까지 이르게 된 것 같습니다.
Q
If you have the opportunity to live in another country or city, not only Germany, would you be willing to bring about changes in your work in another way?
ドイツだけでなく、他の国や都市に住む機会が訪れた場合、また別の形で制作に変化を加える意向はありますか。
독일뿐만 아니라 다른 나라나 도시에 거주할 기회가 온다면, 또 다른 방식으로 작업에 변화를 줄 의향이 있으신가요?
A
Rather than having a specific plan to change my work, I think my thoughts and way of thinking about my work would naturally be influenced by changes in the culture, surrounding environment, and circumstances of that place.
制作に変化を加える計画があるというよりは、その場所の文化や周囲の環境、状況などの変化によって、制作に関する考えや思考にも自然と影響が及ぶのではないかと思います。
작업에 변화를 줄 계획이 있기보다는 그곳의 문화나 주변 환경, 상황 등의 변화에 따라 작업에 관한 생각이나 사고에도 자연스럽게 영향을 미치게 되지 않을까 싶습니다.
<visible and invisible> 디스플레이용 회전판에 채색, MDF, 각재, 컬러 스프레이, 각 45X80X5cm, 2022
Q
Did your values or outlook on life as an artist also change through your time in Germany?
作家としての人生観や価値観のようなものも、ドイツでの滞在を通して変わりましたか。
작가로서 삶의 가치관 같은 것들도 독일 체류를 통해 바뀌었나?
A
Korea has a relatively strong “hurry-hurry” culture. In Germany, even when something was urgent, it was common to contact someone by document or letter and wait about a week for a reply. At first, it was very inconvenient, but over time I came to realize that “rushing everything is not necessarily a good thing.” When I returned to Korea, I actually found myself thinking the opposite: “Why does everyone respond so quickly?” I think the sense of ease that allows me to feel, “I’ve done everything I needed to do today,” even after completing just one task in a day, is also something I gained from living in Germany.
韓国には比較的強い「パリパリ（早く早く）」の文化がありますよね。ドイツでは、急ぎの用件であっても書類や手紙で連絡し、1週間ほど返事を待つようなことが一般的でした。最初はとても不便でしたが、時間が経つにつれて、「すべてを急ぐことが必ずしも良いわけではないんだ」と感じるようになりました。韓国に戻ってくると、逆に「なぜみんなこんなに早く反応するんだろう？」と思うこともありました。一日に一つのことを処理しただけでも、「今日やるべきことは全部やった」と思えるような余裕が生まれたことも、ドイツでの生活が与えてくれた影響だと思います。
한국은 ‘빨리빨리’ 문화가 비교적 강한 편이죠. 독일에서는 급해도 서류나 편지로 연락해 일주일 정도 회신을 기다리는 식이 흔했어요. 처음에는 많이 불편했지만 시간이 지나면서 “모든 걸 서두르는 게 꼭 좋은 건 아니구나”라는 걸 느꼈습니다. 한국에 돌아오니 반대로 “왜 이렇게 다들 빠르게 반응하지?” 싶기도 하더라고요. 하루에 한 가지 일을 처리해도 “오늘 할 일 다 했다”라고 여길 수 있는 여유가 생긴 것도 독일 생활이 준 영향이라 생각합니다.
<RGB> 디지털 프린트, 각 RGB색상의 데이터 값(R-255.0.0, G-0.255.0, B-0.0.255)을 총 12군데의 온라인 사진인화업체에 주문하여 제작, 각 32X42cm, 2021
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Q
I’m curious about how you came to title your solo exhibition “Digital Ganghae,” and the thought process behind it.
個展のタイトルを「デジタル講解」と名付けるに至った経緯や、その発想のプロセスについて気になります。
개인전의 전시 제목을 ‘디지털 강해’로 어떻게 짓게 되었는지, 그 발상 과정이 궁금합니다.
A
Although I chose this title, I actually wonder whether it is even possible to “expound” on the digital. Nevertheless, to explain the process of my thinking, there are many different methods or ways of explaining something. Among them, I wanted to explain the digital by interpreting its languages and grammars through analog methods, while comparing and contrasting its differences from, and relationship with, reality. That is how I came to choose this title. At first, the title was in English as “Digital Lecture,” but in the process of translating it into Korean, I arrived at the title “Digital Ganghae.”
このタイトルを付けたものの、実際にはデジタルを「講解」することが可能なのか、疑問にも思っています。それでも発想の過程を説明すると、何かを説明するための方法や方式はさまざまです。その中で私は、デジタルの言語や文法をアナログな方法で読み解き、現実との差異や関係を比較·対照することで、デジタルを説明してみようと考え、このタイトルを決めました。最初は英語で “Digital Lecture” というタイトルにしていましたが、韓国語に翻訳する過程で「デジタル講解」というタイトルに至りました。
우선 제목을 이렇게 짓긴 했지만, 사실 디지털을 강해한다는 것이 가능한 일이지 의문입니다. 그럼에도 발상의 과정을 설명하자면, 무언가를 설명하기 위한 방법 혹은 방식은 다양합니다. 그중에서 저는 디지털의 언어나 문법을 아날로그 방식으로 풀이하고 현실과의 차이나 관계를 비교, 대조하는 방식으로 디지털을 설명해 보고자 하여 이러한 제목을 정하게 되었습니다. 처음에는 영문 'digital lecture'로 지었었는데 국문으로 번역하는 과정에서 '디지털 강해'라는 제목에 이르게 되었습니다.
<drawing that obeys gravity(brush tool)> 자작나무 합판에 도색, 각 88X237X3cm, 105X206X3cm, 85X234X3cm, 2024
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Q
Is there any message you wanted to convey to the audience in your previous solo exhibitions and in the current exhibition “Digital Ganghae,” and has anything changed?
これまでの個展と現在の展覧会「デジタル講解」において、観客に伝えたいメッセージ、そして変化した点はありますか。
이전 개인전들과 현재 전시 “디지털 강해”에서 관객에게 전달하고자 하는 메시지, 그리고 달라진 점이 있나?
A
Since there has not been a drastic change in my work, I do not think there is a major difference between my previous solo exhibitions and this exhibition, “Digital Ganghae.” Personally, however, I usually work by reflecting the thoughts that arise during one body of work into the next one, and then reflecting the thoughts that emerge while working on that next body of work into the one that follows.
After returning to Korea, I held my first solo exhibition at CR Collective in Yeonnam-dong. At that time, I mainly exhibited works that I had produced during my time in Germany. Among them, the main body of work involved imitating and re-embodying digital editing methods in real space through analog means—that is, the act of cutting and pasting images using a computer editing program within a monitor screen. In order to carry this out directly in physical reality, I walked around everyday streets and collected objects I found in various places. Then, through a physical process, I cut and pasted those objects, realizing a kind of “cut and paste” in the real world. That can be considered one of the representative works from that time.
After that, apart from residency exhibitions, I held an exhibition at space xx in Mullae-dong. In that exhibition, I went one step further from imitation or reproduction, collecting signs, grammars, and phenomena that were newly generated within online space itself, bringing them into real space, and attempting to make them encounter or combine with objects, events, and spaces that exist in reality. If one calls this art, then it would be an artwork, but my intention was to relocate elements discovered in digital space back into reality and try to create something new. That was the main idea and result of the previous exhibition.
This exhibition can also be seen, broadly speaking, as continuing in the same context as the previous ones. However, this time I placed more emphasis on observing how people recognize and perceive works that have been unfolded in real space through analog methods. Therefore, although the overall direction of the exhibition is similar, it differs slightly from the previous exhibitions in that it focuses more on observing the audience’s reactions and perceptions.
作品に急激な変化があったわけではないので、これまでの個展と今回の展覧会「デジタル講解」との間に大きな違いがあるわけではありません。ただ個人的には、私はたいてい、今回の作品を進めながら浮かんだ考えを次の作品に反映し、その次の作品を進める中で浮かんだ考えをまたさらに次の作品に反映する、という形で制作をしています。
韓国に戻ってから、延南洞のCR Collectiveで最初の個展を行いました。その時は、主にドイツで過ごした時間の中で制作した作品を中心に展示しました。その中で主な作品は、デジタル編集の方法、つまりモニター画面の中でコンピューター編集プログラムを使ってイメージを切り貼りする方法を、現実空間の中でアナログな方法によって模倣し、再現したものです。それを物理的な現実空間の中で直接行うために、日常の街のあちこちを歩き回りながら見つけたオブジェを収集し、そのオブジェを物理的な遂行のプロセスを通して切り取り、貼り付けることで、一種の「カット·アンド·ペースト」を現実世界の中で実現した作品が代表的なものだと言えます。
その後、レジデンスでの展覧会を除いて、文来洞のspace xxで展覧会を開きました。その展覧会では、模倣や再現からさらに一歩進み、オンライン空間の中で自律的に新しく生成される記号や文法、現象を収集し、それらを現実空間へと持ち込み、現実に存在する事物や出来事、そして空間と互いに出会わせたり、結合させたりする作品を試みました。それを芸術と呼ぶなら芸術作品になるのでしょうが、私の意図は、デジタル空間で発見された要素を現実に再配置し、新しい何かを作ってみることにありました。それが前回の展覧会の主な構想であり、結果物でした。
今回の展覧会も大きく見れば以前の流れとつながっていますが、今回は現実空間にアナログな方法で展開された作品を、人々がどのように認識し、知覚するのか、その観察により重点を置きました。したがって、展覧会自体の方向性は似ていますが、観客の反応や認識をより注意深く見つめることに焦点を置いたという点で、以前の展覧会とは少し違いがあると言えます。
작업에 급격한 변화가 있던 건 아니기 때문에 이전 개인전들과 이번 전시인 “디지털 강해” 사이에 큰 차이가 있는 건 아닙니다. 다만 개인적으로는, 저는 보통 이번 작업을 진행하면서 든 생각을 다음 작업에 반영하고, 그다음 작업을 진행하는 동안 떠오른 생각을 또 그다음 작업에 반영하는 방식으로 작업하고 있습니다.
국내에 돌아와서 연남동 CR Collective에서 첫 개인전을 진행했었는데, 당시 주로 독일에서 지난 시간 제작했던 작업들을 위주로 전시를 하였습니다. 그 가운데 주된 작업은 디지털 편집 방식, 즉 모니터 화면 안에서 컴퓨터 편집 프로그램을 활용해 이미지를 자르고 붙이는 방식을 현실 공간에서 아날로그 방식으로 모방, 재구현한 것입니다. 이를 물리적 현실 공간에서 직접 수행하기 위해 일상의 거리 곳곳을 돌아다니며 발견한 오브제들을 수집했고, 그 오브제들을 물리적인 수행 과정을 통해 잘라내고 붙여 넣어 일종의 ‘컷 앤 페이스트(cut and paste)’를 현실 세계에서 구현했던 작업이 대표적이라 할 수 있습니다.
그 후에 레지던시 전시 외에 문래동의 space xx에서 전시를 열었습니다. 그 전시에서는 모방 혹은 재현에서 한 발 더 나아가, 온라인 공간 안에서 자체적으로 새롭게 생성되는 기호나 문법 현상들을 수집해 현실 공간으로 가져와 현실에 존재하는 사물이나 사건, 그리고 공간과 서로 마주치게 하거나 결합하는 작업을 시도했습니다. 이를 예술이라고 부르면 예술 작업이겠지만, 제 의도는 디지털 공간에서 발견된 요소들을 현실에 다시 배치해 새로운 무언가를 만들어보자는 데에 있었고, 그게 지난 전시의 주된 구상이자 결과물이었습니다.
이번 전시도 크게 보면 이전과 맥락이 이어지지만, 이번에는 현실 공간에 아날로그 방식으로 풀어놓은 작업을 사람들이 어떻게 인식하고 지각하는지, 그 관찰에 좀 더 중점을 두었습니다. 따라서 전시 자체의 방향은 유사하지만, 관객들의 반응과 인식을 살피는 데 더 초점을 맞추었다는 점에서 이전 전시와 약간의 차이가 있다고 할 수 있습니다.
<edited space(floating images)> 다양한 오브제, MDF, 각재, 바퀴 , 가변설치(각 80X225X180cm), 2024
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Q
Are there any particular points or details you would like viewers to focus on when looking at your work?
作家様の作品を鑑賞する観客に、特に注目してほしいポイントやディテールはありますか。
작가님의 작업을 관람하는 관객들이 특히 집중해 주었으면 하는 포인트나 디테일이 있을까요?
A
I think about and express my work at points where something feels unrealistic, yet becomes understandable the more one looks at it; where a hidden twist is discovered and a slight smile appears; where visual perception or awareness is refreshed; and where an ironic situation leaves something to think about. I also try to unfold my work in a way that is serious but not heavy, and light in tone. Rather than asking viewers to focus on any particular part, I think you may be able to enjoy the work more by finding the twists and ironies placed between the works, while also allowing yourself to imagine something strange or unexpected in your own way.
私は、非現実的でありながら、見つめ続けると理解できるもの、隠された反転を発見することで口元にそっと微笑みが浮かぶもの、視覚的な知覚や認識に新たな刺激を与えるもの、そしてアイロニカルな状況の背後に考える余地を提示するような地点で、作品を考え、表現しています。また、真剣でありながら重くなりすぎず、軽やかな方法で作品を展開しようと努めています。特に注目してほしい部分があるというよりは、鑑賞しながら作品のあいだに仕掛けられた反転やアイロニーを見つけると同時に、自分なりの突拍子もない想像をしてみることで、作品をより楽しく味わえるのではないかと思います。
저는 비현실적이지만 계속 들여다보면 이해가 되는, 숨어있는 반전의 발견으로 입가에 살며시 미소가 번지는, 시각적 지각이나 인식에 환기를 주는, 아이러니한 상황 뒤에 생각거리를 제시하는, 지점에서 작업을 고민하고 표현합니다. 또 진지하지만 무겁지 않게, 경쾌한 방식으로 작업을 풀어가려고 노력합니다. 특별히 집중해 주었으면 하는 부분이 있다기보다는, 관람하시면서 작업 사이사이에 심어놓은 반전이나 아이러니를 찾음과 동시에 함께 자신만의 엉뚱한 상상을 해보시면 작업을 더 재미있게 즐기실 수 있지 않을까 싶습니다.
<the chair that no one can sit in> 다양한 오브제들, 혼합재료, 38X201X87cm, 2019
Q
What was the most difficult part of the production process?
作品制作の過程で最も難しかった点があるとすれば何ですか。
작품 제작 과정에서 가장 어려웠던 점이 있다면?
A
My previous works could be disassembled or packed into boxes, so issues of volume were relatively less of a problem. This time, however, I wanted to emphasize sculptural elements more strongly and create works with a certain scale. Because of that, transportation became difficult, and since the works are large in volume, storage has also become challenging. I think I will have to continue thinking about the issue of volume in the future.
以前の作品は分解したり箱に梱包したりすることが可能だったため、ボリュームの問題は比較的少なかったのですが、今回は彫刻的な要素を大きく生かし、スケールのある作品を作ってみたいと思いました。そのため運搬が難しくなり、サイズが大きい分、保管も容易ではなくなりました。今後もボリュームの問題については、引き続き考えていかなければならないと思います。
예전 작업들은 분해나 박스 포장이 가능해서 부피 문제는 비교적 덜했는데, 이번에는 조각적 요소를 크게 살려 규모가 있는 작업을 해보고 싶었습니다. 그로 인해 운반이 까다로웠고, 부피가 크다 보니 보관도 쉽지가 않게 되었습니다. 앞으로도 부피 문제는 계속 고민해야 할 것 같습니다.
Q
I heard that you have participated in various international exhibitions and residencies. What kinds of changes did those experiences bring?
さまざまな国際展やレジデンスに参加されたと伺っていますが、それらはどのような変化をもたらしましたか。
다양한 국제 전시와 레지던시에 참여했다고 들었는데, 어떤 변화를 가져왔나?
A
I think it would be difficult to describe the exhibitions I participated in while living in Germany as international exhibitions. However, after returning to Korea, I had opportunities to take part in several residency programs. Through those experiences, I was able to exchange ideas about work with fellow artists, both colleagues and seniors or juniors, and also directly and indirectly encounter and experience the situation of the Korean art scene and various kinds of information that I was not yet familiar with. Since residencies usually end with a final presentation exhibition, they also became opportunities for me to organize and reflect on my work from time to time.
ドイツで暮らしながら参加したドイツでの展覧会を、国際展と呼ぶのは少し難しいように思います。ただ、韓国に戻ってからはいくつかのレジデンスに入居して過ごす機会がありました。そこで同僚や先輩·後輩の作家たちと作品について交流するだけでなく、まだ慣れていなかった韓国国内のアートシーンの状況やさまざまな情報にも、直接·間接的に触れ、経験することができました。通常、レジデンスの最後には成果報告展があるため、自分の作品をその都度整理する時間にもなりました。
독일에서 지내면서 참여한 독일에서의 전시를 국제 전시라고 하긴 어려울 것 같습니다. 다만 한국에 돌아온 뒤에 몇몇 레지던시에 입주하여 지낼 기회가 있었습니다. 그곳에서 동료, 선후배 작가들과 작업에 대한 교류뿐만 아니라 아직은 익숙하지 않았던 국내 예술계 상황이나 여러 정보 등도 직간접적으로 접하고, 경험할 수 있었습니다. 보통 레지던시 끝에 성과 보고 전시가 있으니, 제 작업을 한 번씩 정리하는 시간도 되었습니다.
<study of layers> MDF, 각재, 페인트, 가변설치, 2024
Q
Could you tell us about your daily schedule or work routine, if you have one?
一日の過ごし方や制作のルーティンがあれば、教えていただけますか。
하루 일과나 작업 루틴이 있다면 알려주실 수 있으신가요?
A
My everyday life is extremely ordinary and nothing special, so there isn’t anything particular to introduce.
特別なことのない、ごく平凡な日常なので、特にご紹介できることはありません。
특별할 것 없는 지극히 평범한 일상이라 특별하게 소개해 드릴 게 없습니다.
Q
Are there any artists, events, or other things that have influenced your work?
制作に影響を受けたアーティストや出来事、あるいは何かがあれば教えてください。
작업에 영향을 받은 예술가나 사건 혹은 무언가가 있다면?
A
I don’t think there is any particular event significant enough to introduce, and there are so many artists who have influenced me that it would be difficult to mention them one by one.
ご紹介するほどの特別な出来事はないように思いますし、影響を受けたアーティストはあまりにも多く、一人ひとり挙げるのは難しいと思います。
소개할 정도의 특별한 사건은 없는 것 같고, 영향을 받은 예술가는 너무 많아 일일이 언급하기는 어려울 것 같습니다.
Q
What do you think about the influence of digital media on contemporary art?
デジタルメディアが現代美術に与える影響について、どのように考えていますか。
디지털 매체가 현대 미술에 미치는 영향에 대해 어떻게 생각하나?
A
The influence of digital media on contemporary art is growing more and more. In the past, even artists who worked independently of digital technology are now using video or media as part of their exhibitions. Over the past decade or so, as technology has developed radically, the art world has also naturally accepted it and integrated it in various forms. However, I think it is necessary not simply to accept technology while running forward as if looking only ahead, but to reflect philosophically on how we are using technology and how much we depend on it.
As we have recently seen with disruptions in Kakao or Microsoft cloud services, where entire systems became paralyzed, if we only passively follow technological development from the position of consumers, our level of dependence is bound to increase. When problems occur in such situations, it becomes extremely difficult to respond. Also, the images and texts created by AI technology are already realistic enough to compete with works made by human artists. So we have reached a point where we need to think about various issues, such as whether creations made by AI can be considered art, and how we should evaluate work produced not by humans but by AI. In Europe, there are movements to legislate these kinds of digital issues, but in Korea, such developments still seem insufficient. For example, in areas related to sexual crimes or ethics, media regulations need to become more sophisticated. Ultimately, technology will continue to evolve, but I believe that the laws, systems, and social consensus capable of keeping up with that speed must develop alongside it.
現代美術にデジタルメディアが与える影響は、ますます大きくなっています。以前はデジタル技術とは関係なく制作していた作家たちも、今では展覧会の一部として映像やメディアを使用することがあります。この10年ほどの間に技術が急進的に発展する中で、アートの世界もそれを自然に受け入れ、さまざまな形で融合させています。ただ、このように前だけを見て走るように技術を受け入れるだけでなく、私たちがどのような方法で技術を使用しているのか、そしてどれほどその技術に依存しているのかを、哲学的に考察する必要があると思います。
最近、カカオやMicrosoftのクラウドサービスに障害が起こり、システム全体が麻痺するような状況が発生したように、技術の発展を消費者の立場から受動的に追いかけるだけでは、依存度は高まるしかありません。そのとき問題が起これば、対応は非常に困難になります。また、AI技術が生み出すイメージやテキストも、すでに人間の作家が描いた絵と競争できるほどリアルになっており、AIが作った創作物を芸術と見なすべきなのか、人間ではないAIの作品をどのように判断すべきなのかなど、さまざまな問題について考える時点に来ています。ヨーロッパでは、こうしたデジタルの問題を法制化するための動きがありますが、韓国ではまだそのような流れが十分ではないように思います。たとえば性犯罪や倫理に関わる面でも、メディアに関する法規はより精巧になる必要があります。結局、技術はこれからも進化し続けるでしょうが、その速度に対応できる法律や制度、そして社会的合意もともに追いついていかなければならないと考えています。
현대 미술에 디지털 매체가 미치는 영향은 갈수록 커지고 있습니다. 예전에는 디지털 기술과 무관하게 작업하던 작가들도 이제는 전시의 일부로 영상이나 미디어를 사용하기도 하죠. 지난 10여 년간 기술이 급진적으로 발전하면서, 예술계 역시 이를 자연스럽게 받아들여 다양한 형태로 융합하고 있습니다. 다만 이렇게 앞만 보고 달리듯 기술을 수용하는 것에 그치지 않고, 우리가 어떤 방식으로 기술을 사용하고 있으며, 얼마나 그 기술에 의존하고 있는가를 철학적으로 성찰할 필요가 있다는 생각입니다.
최근 카카오나 MS 클라우드 서비스가 장애를 일으켜 전체 시스템이 마비되는 상황이 벌어졌듯, 기술 발전을 소비자의 입장에서 수동적으로 쫓아가기만 하면 의존도가 높아질 수밖에 없습니다. 그때 문제가 생기면 대처가 매우 힘들어지죠. 또 AI 기술이 만들어내는 이미지나 텍스트도 이미 인간 작가가 그린 그림과 경쟁할 정도로 사실적이어서, 이 AI가 만든 창작물을 예술로 볼 것인지, 인간이 아닌 AI의 작업을 어떻게 판단해야 하는지 등 다양한 문제를 고민할 시점에 와 있습니다. 유럽에서는 이러한 디지털 이슈를 법제화하기 위해 움직이는데, 국내는 아직 그런 흐름이 미비한 것 같습니다. 예를 들면 성범죄나 윤리와 관련된 면에서도 미디어 법규가 더 정교해질 필요가 있습니다. 결국 기술은 계속 진화하겠지만, 그 속도를 감당할 법과 제도, 그리고 사회적 합의가 함께 따라가야 한다고 생각합니다.
<reconstruction> 발견된 오브제들, 가변설치, 2021
Q
I believe that technology offers new possibilities for art, while also creating certain limitations. I’m curious how you balance these two sides.
技術は芸術に新たな可能性をもたらす一方で、同時に制約もあると思います。作家様はその両面性について、どのようにバランスを取っているのか気になります。
기술이 예술에 새롭게 제공하는 가능성과 동시에 제약도 있다고 보는데, 작가님은 그 양면성에 대해 어떻게 균형을 맞추시는지 궁금합니다.
A
I do not intentionally try to create a balance. However, before using a certain technology, I think about whether it is necessary or unnecessary. I do not ignore the newness or convenience that technology offers. At the same time, I question whether, from a long-term perspective, that technology might instead make me unnatural, make me overly dependent on it, or confine me somewhere.
私は意図的にバランスを取ろうとは考えていません。ただ、ある技術を使用する前に、それが必要なのか、あるいは不要なのかについて考えます。技術がもたらす新しさや便利さなどを無視しているわけではありません。同時に、その技術が長期的な観点から、むしろ自分を不自然にしたり、それに過度に依存させたり、どこかに閉じ込めてしまうのではないかと疑っています。
저는 의도적으로 균형을 맞추려는 생각을 하지 않습니다. 다만 어떤 기술을 사용하기 이전에 그것이 필요한지 혹은 불필요한지에 대해 생각합니다. 기술이 주는 새로움이나 편리함 등을 무시하지 않습니다. 그 기술이 장기적인 관점에서 오히려 나를 부자연스럽게 만들거나 그것에 지나치게 의존적이거나 어딘가에 가두어 둘 수도 있지 않을지에 대해 의심합니다.
<Delete> 다양한 도구들, 카페트, 컬러 스프레이, 302X150cm, 2020
Q
When unpredictable future technologies emerge, how might your work change? If entirely new media or methods that we cannot even imagine today appear, I’m curious how you would accept their possibilities and uncertainties, and how you would want to reflect them in your work.
予測しがたい未来の技術が登場したとき、作家様の作品はどのように変化する可能性があるでしょうか。現在は想像すらできない新しいメディアや方法が生まれた場合、その可能性と不確実性をどのように受け止め、また作品に反映していきたいとお考えですか。
예측하기 어려운 미래 기술이 등장했을 때, 작가님 작업은 어떻게 달라질 수 있을까요? 현재 상상조차 못 하는 새로운 매체나 방식이 생긴다면 그 가능성과 불확실성을 어떻게 받아들이고, 또 작업에 반영하고 싶으신지 궁금합니다.
A
Since it concerns the future, I think it is difficult to predict. However, speaking only in relation to the work I am currently interested in and pursuing, we are living in an era in which technology continues to evolve day by day. Therefore, I believe that new languages, grammars, aesthetics, and social phenomena will inevitably continue to emerge. I imagine that I will continue to observe and collect those things as I carry on with my work.
未来のことなので、何かを予測するのは難しいと思います。ただ、現在私が関心を持って進めている作品の側面に限って話すならば、技術が日々進化を重ねている時代であるため、これからも新しい言語や文法、美学、社会的現象などは絶えず生まれていくしかないと思います。私はそれらを観察し、収集しながら制作を進めていくのではないかと思います。
미래의 일이라 뭐라 예측하긴 어려운 것 같습니다. 다만 현재 제가 흥미를 갖고 진행하고 있는 작업의 측면에서만 국한해서 이야기하자면, 기술이 나날이 진화를 거듭하고 있는 시대이다 보니 앞으로도 새로운 언어나 문법, 미학, 사회적 현상 등은 계속해서 발생될 수밖에 없다고 생각합니다. 저는 그것을 관찰하고 수집하며 작업을 진행해 나가고 있지 않을까 생각됩니다.
<desktop> A4용지에 인쇄, 파일철, 휴지통, 가변설치, 2023
Q
Are there any works or projects you are planning for the future?
今後予定している作品やプロジェクトがあれば教えてください。
미래에 계획 중인 작품이나 프로젝트가 있다면?
A
For the time being, I plan to continue working along the extension of this exhibition. Next, rather than having each work placed independently, I would like to create a single spatial installation in which the works seep into the space and harmonize with one another.
しばらくは今回の展覧会の延長線上で制作を続けていく予定です。次は、それぞれの作品が独立して配置されるのではなく、空間の中に染み込み、互いに調和するような形で、一つの空間インスタレーションを実現してみたいと考えています。
당분간 이번 전시의 연장선에서 계속 작업할 예정입니다. 다음에는 각각의 작업이 독립적으로 배치되는 것이 아닌 공간 속에 스며들어 서로 어우러진 형태로 하나의 공간 설치 작업을 구현해 보고 싶습니다.
Q
Any final words you would like to share?
最後に伝えたいことがあればお願いします。
마지막으로 하고 싶은 말
A
Thank you for your hard work.
お疲れさまでした。
수고하셨습니다.
<paint bucket(white)> 수집한 다양한 오브제들에 채색, 가변설치, 2021
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